Paola Sanguinetti - “Expanded field”

Paola Sanguinetti è direttrice della Design School dell’Herberger Institute for Design and the Arts dell’Arizona State University. Paola ha 25 anni di esperienza di insegnamento in architettura. Ha conseguito una laurea in architettura presso l’Università del Kansas, un Master of Science in Advanced Architectural Design presso la Columbia University e un dottorato di ricerca presso il Georgia Institute of Technology, con specializzazione in Design Computation and Simulation. Paola è stata riconosciuta per la sua eccellenza nell’insegnamento, compresi gli educatori più ammirati di DesignIntelligence. La sua passione è fare da mentore agli studenti e supportare la partecipazione di gruppi sottorappresentati nella progettazione computazionale, nella realtà virtuale e nella fabbricazione robotica.
Paola è affiliata a The Design School, University of Arizona.

L’ispirazione per la superficie lapidea nasce dalla memoria delle esplorazioni architettoniche che sono state fatte negli anni ‘90, pensando all’architettura in un campo allargato tra scultura, paesaggio e spazio. La rivisitazione di questi concetti, con le capacità all’avanguardia di strumenti digitali, automazione e robotica, rappresenta una sfida per l’esplorazione uomo-computer contro le proprietà materiali della pietra. Siamo entrambi presenti e collegati dal potere della memoria.

Ashley Zelinskie -

Ashley Zelinskie è un’artista concettuale con base a Brooklyn, NY. E’ un’artista che mette in pratica un approccio post – New Media, nel quale i media utilizzati risultano essere semplici veicoli al servizio di concetti sottotraccia; il suo lavoro cerca di tradurre il nostro vasto bagaglio storico in un linguaggio eterno ed universale, mantenendo allo stesso tempo l’attenzione sul nostro spazio vitale, inteso come una piccola parte del “tutto”. Utilizza una grande varietà di materiali, dalla scultura alla tela, passando per la stampa, utilizzando le tecnologie più moderne come stampa 3D, taglio laser a controllo numerico, metallizzazione, etc. Il lavoro di Ashley è focalizzato verso la visualizzazione di dati in forma astratta, e nel trovare nuovi ed interessanti modi per descrivere idee complesse.

Il lavoro di Ashley è stato pubblicato su Vice, Brooklyn Magazine, the New York Times and Hyperallergic. E’ parte della collezione permanente del Dipartimento di Stato USA, per il programma Art in Embassies, è stato esposto a Sotheby’s, New York, e, di recente, nel museo ArtScience di Singapore. Ashley è stata artista residente del New Inc. - the New Museum’s Art and Technology Incubator - e dello Shapeways x Museum of Art and design “Out of Hand”. Sta collaborando con la NASA e con lo Smithsonian, ed ha conseguito la laurea presso la Rhode Island School of Design.

Rachael Hayes -

Rachael Hayes è un’artista proveniente da Winston-Salem, North Carolina. Si è laureata in Belle Arti con specializzazione in Scultura e Ceramica, con una specializzazione in Interdisciplinary Arts and Social Practice presso l’University of North Carolina a Greensboro nel 2021. Si è laureata Summa Cum Laude e ha ricevuto l’Honours Student Excellence Award e la borsa di studio Betsey Ryder Shelley nel suo ultimo semestre. È stata stagista presso il Greensboro Project Space dal 2019 al 2020, dove si è concentrata sulle tecniche di gestione delle gallerie ed organizzando eventi che creano coinvolgimento e connessione con la comunità. Ha esposto il suo lavoro in tutta la Carolina del Nord. Alcune delle sue mostre più recenti sono “Shape Shift”, “Re/Set” e il suo BFA Showcase nel 2021, al Greensboro Project Space.

L’obiettivo di Rachael per quanto riguarda la pratica creativa è facilitare il cambiamento sociale favorendo la connessione, l’empatia e la vulnerabilità. Gran parte del lavoro recente di Rachael si è concentrato sull’astrazione della forma umana, esplorando la relazione con il proprio corpo e identità e aprendo discussioni per aiutare le persone che soffrono di problematiche relative alla percezione del proprio corpo. Usa il suo lavoro per elaborare e comprendere meglio se stessa e il mondo che la circonda. Il suo lavoro è di natura multidisciplinare ed è in continua evoluzione in linea con le sue scoperte. Il pezzo in questa mostra, Hugo, è il risultato dell’utilizzo di un nuovo software di modellazione 3D, coniugato con l’interesse dell’artista nel creare una forma che rappresenti l’essere in uno stato di tumulto e crescita simultanei - sul punto di ribaltarsi pur rimanendo in equilibrio.

Dakota Pace -

Dakota Pace è un artista, educatore ed imprenditore. Ha insegnato in diversi workshop di progettazione parametrica al Rensselaer Polytechnic Institute e attualmente tiene corsi di fabbricazione 3D e design digitale al Bennington College. Pace è un membro fondatore di Lepace, un’azienda di design che cerca di rendere accessibili ad altri artisti e aziende tecniche avanzate di progettazione e fabbricazione digitale. Lavorando con vari architetti, artisti e studi di design, Lepace ha lavorato a progetti di installazione in mostra al Brooklyn Museum, alla Triennale di architettura di Oslo, alla Biennale di Urbanism\Architecture di Hong Kong, alla Biennale di Architettura di Tallinn e alla Tomorrows Exhibition.

Pat Wassarbohre - “Circuitous”

Pat ha conseguito il MFA presso il College of Visual Arts della Boston University. Attualmente insegna scultura presso l’University of North Carolina a Greensboro. La produzione scultorea di Pat è stata esposta in musei, centri e gallerie d’arte negli Stati Uniti e a livello internazionale in Cina, Francia, Germania, Italia e Spagna. Ha frequentato residenze d’artista con il Digital Stone Project per cinque edizioni, a La Napoule, Francia, Cortona, Italia, e a Salem, New York. Dall’UNCG ha ricevuto il Summer Excellence Research Grant, i Kohler Travel Awards e il Dean’s Initiative Award for Research and Creativity.

Circuitous fa parte di una serie di sculture, ancora in corso, che esplorano i concetti di geometria nascosta, spazio e forme interne ed esterne. La scultura è ispirata dalle passeggiate quotidiane nei boschi e dalle osservazioni dell’artista sulle formazioni della natura in vari stadi di degenerazione, crescita, resilienza e conservazione.

Tess Adams -

Tess Adams è un’artista digitale, che lavora su una vasta gamma di media digitali per produrre immagini, sculture ed esperienze interattive che collegano il mondo digitale e fisico. Ispirato dalla chimica e dalla sinestesia, il suo lavoro trae elementi familiari dalla realtà fisica e li distorce per produrre forme legate alle nostre percezioni sensoriali. Simile alle astrazioni degli inkblot Rorschach, le forme tridimensionali possiedono qualità familiari che risuonano con le nostre associazioni e ricordi. Nonostante queste qualità distinte, la forma complessiva appare aliena, come se fosse una creatura di un altro mondo che risponde ad una fisica ed a regole operative separate.

Adams si è laureata al Pratt Institute con un BFA in Digital Arts nel 2021. Il suo lavoro è stato esposto in numerose istituzioni, festival artistici e collezioni private in tutto il paese e a livello internazionale, tra cui il File Festival Sao Paulo, The International Center of Photography ed il Made in NY Media Center.

Felicia Francine Dean - “Perceptions of Misconceptions: Intersecting Stone and Fabric Material Identities”

Felicia Francine Dean è professoressa assistente di architettura d’interni presso l’Università del Tennessee, Knoxville. In precedenza ha lavorato come Digital Fabrication e Textile Lab Director e Textile Designer. La sua formazione comprende un MFA in Architettura d’Interni, una Laurea in Studio Art e un Diploma in Tessili per mobilia. La sua ricerca applica metodi intrinseci per conciliare identità, spazio e luogo. Esplora le identità materiali dei tessuti attraverso metodologie di fabbricazione digitale e manuale. Di recente, ha presentato la sua borsa di studio alla Conferenza virtuale nazionale dell’Interior Design Educators Council (IDEC) e alla Conferenza virtuale internazionale dell’Architectural Humanities Research Association (AHRA), ospitata dalla Loughborough University, School of Architecture, Building and Civil Engineering.

L’attuale progetto di Felicia Francine Dean, Perceptions of Misconceptions: Intersecting Stone and Fabric Material Identities, è supportato da una sovvenzione della Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts. Lo studio esplora metodi intrinseci bi-razziali per conciliare spazio e luogo attraverso l’intersezione di identità materiali di pietra e tessuto nei sistemi rigidi e morbidi dei mobili. La traduzione dei materiali e dei sistemi si sviluppa tra la Toscana ed il Tennessee orientale. Il progetto collega le storie delle regioni collegando le identità materiche di pietra e tessuto dei luoghi attraverso il processo di realizzazione e progettazione. Nel lavoro di arredo, la scultura in pietra, le tecniche di trapuntatura in tessuto e i motivi comunicano visivamente le intersezioni di spazio e luogo in relazione alle identità materiali di pietra e tessuto.

Jon Isherwood -

La scultura di Isherwood è stata ampiamente esposta in gallerie pubbliche e private negli Stati Uniti, in Canada, in Europa e in Cina. Con oltre 25 mostre personali, il suo lavoro può essere trovato in 25 collezioni pubbliche ha completato oltre 30 commissioni tra cui il dipartimento della salute del New Jersey, il programma Art in Embassies del dipartimento di Stato degli Stati Uniti a Oslo, Norvegia, e recentemente 8 sculture per Broadway, New York. Il lavoro di Isherwood è stato recensito su The New York Times, Art in America, Art News, Sculpture Magazine, London Times. È il presidente del Digital Stone Project. www.jonisherwood.com

“Perché offriamo fiori? L’atto può trasmettere amore, celebrare traguardi, offrire conforto nel dolore, ripagare l’ospitalità o semplicemente abbellire uno spazio e portare gioia personale. Al di là del loro fascino universale, i fiori portano diversi significati culturali: dal simbolismo intriso di spiritualità del fiore di loto, alla tradizione festiva delle stelle di Natale e all’associazione delle rose con l’amore. Attraverso il tempo e lo spazio, i fiori riflettono la propria connessione con la comunità e con le persone. La natura ci regala dei fiori, un’eruzione spontanea di bellezza che porta gioia e meraviglia, e in cambio ce li regaliamo l’un l’altro.

Louis-Charles Dionne - “Cape Breton Marble Boulder”

Louis-Charles Dionne è uno scultore ed educatore canadese di Saint-Jean-Baptiste de Rouville (Québec) che ora vive a Montréal (Québec) e Halifax (Nova Scotia). Ha conseguito una laurea in Scultura e Storia dell’Arte presso la Concordia University, un Master in Belle Arti e Media Arts presso la NSCAD University, nonché un Diploma di Laurea in Educazione Post-secondaria presso UQÀM. Il suo lavoro è radicato in un vocabolario di oggetti di basso interesse che riposiziona per sfidare le nozioni di funzione, convenienza e valore. Il suo interesse risiede nell’esperienza non eroica e anticlimatica. Louis-Charles è attualmente impegnato in un corso di Storia dell’arte e cultura contemporanea (Educazione artistica) presso l’Università NSCAD e in un corso part-time in Scultura presso la Concordia University. L’artista riconosce il sostegno di Arts Nova Scotia per il finanziamento, ed è affiliato con Concordia University, Montréal, Québec, Canada e NSCAD University, Halifax, Nova Scotia, Canada.

Cape Breton Marble Boulder è una replica a grandezza naturale di un masso raccolto sul sito dell’ex Cape Breton Marble Company; una cava di marmo abbandonata a Marble Mountain, Nuova Scozia. C’è sicuramente umorismo nel replicare una roccia nel marmo, e questo pezzo sposta il valore concettuale e materiale di un pezzo di marmo canadese senza valore, ma unico attraverso l’esplorazione di idee di specificità del sito. La Rubber Band Ball che è stata utilizzata come modello per questo pezzo è stata creata da tre anni di elastici di frutta e verdura. È un oggetto che può essere pensato come una misura del tempo, un archivio e un atlante che documenta alcuni aspetti fugaci della vita quotidiana. Ingrandito alla larghezza delle spalle di Louis-Charles, questo pezzo acquisisce una presenza simile a quella umana mentre indica il masso di Sisifo. 


Sumit Sarkar -

Sumit Sarkar è uno scultore e pittore digitale/analogico che si ispira a varie fonti tra cui iconografia religiosa, fantascienza, fumetti e graffiti, con lavori recenti incentrati sulla forma scultorea astratta. Le nuove tecnologie sono parte essenziale della pratica di Sumit, con i recenti progetti che esplorano la fresatura del marmo con un braccio robotico a 7 assi, la realtà virtuale e aumentata, il motion capture e la stampa 3D multimateriale. La tecnologia e il processo spesso informano l’idea. www.kriksix.com

Il lavoro di Sumit continua ad allontanarsi dall’arte figurativa complessa, verso forme sempre più semplificate e astratte. Le sue nuove sculture prendono la forma di plinti distorti, progettati per integrare le linee di fresatura create dal braccio del robot per impregnare l’estetica deformata.

Tove Kjellmark

Tove Kjellmark, nata nel 1977 e residente a Stoccolma, Svezia. Ha studiato all’École des Beaux Arts e al Royal Institute of Art di Stoccolma, dove ha conseguito il M.F.A. 2009. Da allora il suo lavoro è stato esposto a livello internazionale. Inizialmente formata come scultrice, Kjellmark, si muove liberamente tra molteplici media e materiali. Esamina le sensazioni di incarnazione, opere che riflettono sulla dissoluzione dei confini del corpo in relazione alla natura circostante. Oltre a lavorare nel suo studio insegna e collabora con esseri umani e non umani di vario tipo e tecnologie. Il suo lavoro è un’appropriazione visiva di forme e strutture del mondo complesso in cui viviamo. Si è occupata di tecno-animalismo, dando vita a un altro tipo di animalità, un altro tipo di natura, ma soprattutto interpretando con molta delicatezza gli affetti del pubblico coinvolto.

“Nel mio lavoro cerco un’altra natura, che rifiuta di accettare una differenza tra forze tecnologiche e naturali, tra vita umana e vita animale, tra meccanica e organica. Voglio sfidare la natura, creandola di nuovo, poiché questo tipo di sperimentazione artistica è l’unico modo per rivelare un altro mondo”. Un costante atto di equilibrio tra immobilità e movimento che si manifesta sia fisicamente che concettualmente e si colloca in spazi liminali tra il digitale e l’organico, il passato e il futuro. In questo caso ho chiesto a un amico di scansionarmi mentre giocavo con un tessuto molto sottile. Il corpo umano viene smaterializzato e poi rimaterializzato in una forma ampiamente alterata. Lo scanner tenta di ricucire frammenti di realtà, in correlazione con il modo in cui vivo la vita, i sogni e la memoria. E come funziona il mio cervello, immagino. Tutto è aggrovigliato e in movimento.

James Carl

Carl è nato a Montréal, in Canada. Ha conseguito un MFA presso la Rutgers University e una laurea presso la McGill University, l’Università di Victoria e la Central Academy of Fine Art di Pechino. Il suo lavoro è in collezioni pubbliche e private in Nord America, Cina ed Europa, inclusa la National Gallery of Canada. Attualmente Carl vive e lavora a Toronto.

Per oltre trent’anni James Carl ha creato sculture di piccola e grande scala usando un’ampia varietà di materiali, dal cartone al marmo alle tende veneziane. Artigianato e manodopera sono punti di riferimento costanti nel lavoro di Carl. La sua attenzione al materiale, al processo e alla forma riflette le preoccupazioni per la situazione storica dell’arte della scultura e per il ruolo centrale che gli oggetti comuni svolgono nella nostra vita quotidiana.

Kieu Tran

Kieu Tran crea sculture eleganti, sensuali e biomorfiche che esistono a metà strada tra l’astratto e il figurativo. Kieu si sforza di dare espressione alle emozioni, per consentire all’estetica della forma di comunicare qualcosa sull’ispirazione dietro il pezzo, a un livello istintivo e senza parole. Considera le sue sculture uno sforzo che dà forma all’anima umana e ci ricorda la nostra comune umanità. Il suo lavoro è stato descritto in Interior Design Magazine, Surface Magazine, Sight Unseen, EST Living e Design Anthology Asia. www.studiokieu.com

La meditazione sull’amore, la gioia e la connessione che caratterizza il lavoro di Kieu si riflette ulteriormente in Encaptured. Ha combinato le scansioni 3D di due sculture precedentemente realizzate in argilla e le ha modificate digitalmente per creare un nuovo dialogo tra le forme. Si intersecano intenzionalmente. Il risultato delle due forme visualizzate separatamente, con l’impronta dell’una sull’altra, crea una tensione e un senso di desiderio che si ispira all’attrazione gravitazionale a volte inspiegabile che abbiamo verso gli altri, sia essa di tipo amichevole o romantica. Le due forme desiderano essere collegate e si lascia all’osservatore il compito di aiutarle.

Mary Neubauer

Il lavoro di Mary Neubauer è stato esposto a livello internazionale e l’artista ha realizzato numerosi progetti di arte pubblica, comprese installazioni interattive. Visualizza i dati dimensionalmente, combinando le nuove tecnologie con la fusione e l’intaglio tradizionali. È attiva in Ars Mathematica, WEAD e Art-Science Collaborations. È stata Fulbright Fellow a Cambridge, Regno Unito, e Ford Fellow all’Università dell’Indiana. Le residenze recenti includono il Digital Stone Project, l’Anderson Ranch Center for the Arts, la John Michael Kohler Arts and Industry Residency e la Arctic Circle Expeditionary Residency. È professoressa di scultura presso l’Herberger Institute for Design and the Arts dell’Arizona State University.

“La mia pratica è progettata per interpretare il comportamento dei dati nel tempo, rimanendo fedele all’input sottostante che guida le forme. Mi concentro sugli aspetti nascosti di ciò che ci circonda utilizzando le informazioni generate da una moltitudine di sensori. Le forme risultanti offrono nuovi modi di comprendere e chiarire la complessità del nostro ambiente. Il lavoro dà forma ai grandi cicli del mondo fisico e dell’attività umana all’interno di quel regno. Questi modelli scultorei e virtuali rivelano qualità di tattilità e bellezza, sebbene abbiano origine in modelli statistici. Uso strumenti digitali 3D insieme ai metodi tradizionali per realizzare i modelli originali.”

Christopher Luper

Christopher Luper è uno scultore che esplora il gesto tridimensionale in relazione alla consapevolezza e allo stato di flusso creativo. Ha conseguito la laurea in belle arti presso la Southern Illinois University Carbondale in pittura e disegno. Attualmente sta proseguendo i suoi master presso l’Arizona State University, si sta specializzando in metodi di ricerca in fonderia, mentre lavora anche part-time presso Bollinger Atelier, una fonderia d’arte blue-chip a Tempe, AZ. Di recente ha installato una scultura in bronzo di grandi dimensioni a Tempe, in Arizona, per la commissione giudicata “INFLUX” sponsorizzata da Scottsdale public arts.

Christopher Luper è un artista scultoreo astratto concentrato sul seguire un movimento pittorico per creare una serie di opere gestuali segmentate. Questi pezzi sono creati scansionando e rendendo digitalmente i gesti le cui identità vengono rivelate solo esponendo il taglio della pialla. Ogni segmento consente al pubblico una visione alterata che dimostra un complesso processo di evoluzione mentre fa eco al gesto intrinseco iniziale. “Il gesto è immateriale, astratto ed emana dai movimenti interiori della vita psichica” Magrit Rowell

Helena Lukasova

Cerco di collegare i media tradizionali con metodi di scultura digitale che offrono non solo nuovi modi di fabbricare un oggetto, ma aprono anche una nuovissima possibilità di pensare a una scultura in modo concettuale. Questo è un momento in cui altri dati possono essere estremamente abbondanti e creare la forma tridimensionale. Vedo quegli oggetti come contenitori di informazioni convertite e liberate dal supporto digitale. Una scultura digitale può essere rappresentata anche come virtuale, il che si aggiunge alla complessità delle potenzialità della scultura digitale. Posso scegliere la rappresentazione giustapponendo così anche le diverse natura della visualità.

Il modulo è stato parzialmente generato utilizzando i dati EEG (registrazione dell’attività cerebrale] per formare la traiettoria nello spazio virtuale (software di Jakub Valtar) che è diventato la base del modulo. Questo approccio sperimentale ha creato esiti inaspettati. L’opera è realizzata attraverso la fresatura robotica di una complessa forma organica nel marmo, forma che gli spettatori associano alla nozione di creatura vivente intrecciata in se stessa. Mi riferisco ai pensieri di Daniel Hillis che descrive il tempo presente come un’era di “intreccio” in cui la nostra comprensione di come il mondo le funzioni svaniscono.

Andrea e Barrack - “Methusela V1.1”

Methusela V1.1 è un’esplorazione della mutevolezza dei materiali che generalmente consideriamo inerti. Un vaso di vetro stampato in 3D si trova all’interno di una pozza viscosa di marmo che supporta la crescita biologica. Il vetro, un solido amorfo, viene manipolato allo stato liquido durante il processo di stampa. Una volta formato, i modelli di luce caustica prodotti dal vetro informano la geometria della forma di marmo che viene modellata tramite una simulazione fluida. La simulazione applica la dinamica fisica ai corpi mesh che sono stratificati l’uno sull’altro, evocando fluidità in un materiale che è un solido cristallino.

Methusela V1.0 continua un corpus di lavori su come creare manufatti che abbracciano il decadimento e il deterioramento come mezzo di trasformazione materiale. Il marmo, solitamente considerato inerte, verrà lentamente trasformato da biofilm microbici la cui crescita sarà influenzata dai modelli di luce caustica creati dal vaso di vetro stampato in 3D all’interno dell’opera. I biofilm sono tradizionalmente considerati dai conservatori d’arte come agenti distruttivi, tuttavia molti possono essere utilizzati per riparare e preservare oggetti in pietra a seconda delle condizioni. Il lavoro è un esperimento di trasformazione indotta biologicamente che si verifica molto tempo dopo il suo completamento “umano”, utilizzando forma, consistenza e luce sintetica per influenzare la patina prodotta microbicamente e perseguendo la mutevolezza in una forma d’arte che tradizionalmente connota resistenza statica e qualità d’archivio.

Andrea Ling

Andrea Ling (CA) è architetto, artista e ricercatrice. Il suo lavoro si trova proprio nell’intersezione di design, produzione e biologia, ed è focalizzato sul definire I controrni dell’applicazione critica di processi biologici e computazionali, e di come questi possano far migrare la società da un modello di produzione basato sullo sfruttamento delle risorse ad uno più sostenibile. Ha vinto il premio S+T+ARTS 2020 per il proprio lavoro come Creative Resident 2019 presso Ginkgo Bioworks, lavorando su design ispirati al decadimento della materia durante il processo tecnico per l’accesso alla circolarità materiale. E’ laureata al MIT Media Lab, gruppo Mediated Matter, all’interno del quale ricopriva la carica di assistente ricercatrice nel progetto Aquahoja. Andrea è architetto iscritto all’Ontario Association of Architects, ed è membro fondatore di designGUILD, collettivo con abse a Toronto. E’ al momento un A&T Fellow presso l’Institute of Technology and Architecture, ETH Zurich.

Barrack Darweesh

Barrak Darweesh è un architetto e designer del Kuwait, ed al momento è iscritto come candidato Ph.D presso UC Berkley, nel College of Environmental Design. Utilizzando la progettazione computazionale come linguaggio di mediazione, Barrak mira a contestualizzare il potenziale della produzione robotica additiva non planare su scala architettonica, a livello di software e hardware. In parallelo Barrak è un artista di motion graphic, e membro fondatore di Steediu, una casa di produzione con base nel Kuwait. Gli appuntamenti accademici precedenti di Barrak includono un Masters of Architecture degree presso UC Berkeley, un posizione da ricercatore presso Mediated Matter Group, MIT Media Lab, e come computational designer presso Emerging Objects, uno studio di design con sede ad Oakland. Barrak ha lavorato a una serie di progetti pluripremiati, presentati su diverse piattaforme multimediali e mostre internazionali. Oltre al suo lavoro, ha anche tenuto corsi di progettazione computazionale e fabbricazione digitale. Barrak è attualmente sponsorizzato dal Ministry of Higher Education del Kuwait. Dopo aver completato il suo dottorato di ricerca, continuerà a insegnare al College of Architecture della Kuwait University.

Claudia Dietz - “Candy Chaos”

Claudia Dietz è una scultrice esperta e ha studiato belle arti con particolare attenzione alla scultura presso l’Accademia statale di belle arti di Stoccarda, in Germania. Nel suo lavoro è possibile trovare un’influenza purista e arcaica. Le sue metamorfosi nella pietra appaiono vivaci e curiose con la natura sempre al centro. Un ruolo significativo è sempre giocato dal sottofondo ironico-umoristico, che si può ben scoprire, nel suo più noto ciclo di lavoro “Krümmertierchen”. Molte delle sue sculture si trovano in collezioni pubbliche, private e museali e parchi di sculture in tutto il mondo, tra cui Spagna, Francia e Stati Uniti. Il suo lavoro è apparso sulla stampa nazionale e internazionale. Oltre a partecipare a residenze internazionali, Dietz offre anche un programma di residenza internazionale per artisti nel suo studio a Eberdingen, in Germania, dal 2016.

L’opera Candy Chaos è una sorta di diario di viaggio: componenti selezionati da Los Angeles, in California, assemblati a Tempe, in Arizona, e fusi come un conglomerato di caramelle a Gramolazzo, in Italia.

Hillel O’Leary

Hillel O’Leary è un artista e designer multidisciplinare che lavora all’intersezione tra storia, cultura, esperienza e oggetto. Il suo lavoro si concentra sulla narrazione e sulla fabbricazione ibrida radicata nell’esplorazione delle implicazioni più profonde dell’esperienza personale e culturale. Il lavoro di Hillel è stato esposto a livello nazionale e internazionale, inclusi siti storici in Italia, Spagna e Stati Uniti nordorientali. Hillel è un membro attivo della comunità artistica e facilitatore. È un membro fondatore dei Wurks, un collettivo artistico di Providence, RI, e ha collaborato con diverse istituzioni culturali senza scopo di lucro per espandere l’accesso all’arte per le comunità svantaggiate attraverso la collaborazione interdisciplinare. Hillel attualmente insegna Disegno Industriale presso la Rhode Island School of Design.

Le mie sculture e installazioni sono accrescimenti di istantanee che catturano brevi momenti di chiarezza in un continuo processo di navigazione in un mondo sempre più turbolento. Sono un tentativo di dare un significato tra ciò che è familiare e ultraterreno, provocando al contempo sensazioni viscerali di tensione, connessione, perdita e meraviglia, attraverso l’offuscamento, l’astrazione e l’interpretazione della storia e della cultura materiale. La mia pratica multidisciplinare ibrida centra la precarietà come lo stato di arrivo di ogni cosa e, con essa, spero di portare un livello di urgenza a un senso di autoriflessione che è necessario se vogliamo guardare oltre il modo in cui le cose sono sempre state.

Justin William Rodier

Justin William Rodier è una micro celebrità di nicchia su Internet, millennial, Scorpione, artista multimediale ed educatore artistico che vive e lavora a Phoenix, in Arizona. L’artista ricerca la storia dell’arte, la tecnologia e le sottoculture di Internet. A Justin piace anche il giardinaggio, l’escursionismo e lo “shitposting”. Maggiori informazioni: Justinrodier.com @scobyallstars

Ispirato alla scultura di Kenner Chewbacca del 1977, spesso imitata, Collapsed History (Post Peak Knowledge) abbraccia il pregiudizio dell’automazione, consentendo la creazione di una nuova forma scolpita dalla “disinformazione aggregata” nella scansione 3D. Provocando il collasso dell’estetica dei manufatti classici con rovine future ed attraverso la speculazione di un “franchise eterno”, l’artista illustra la possibilità di rendere Chewbacca un oggetto di culto. Il pezzo offre una rappresentazione di un manufatto oggetto di speculazione, supponendo un crollo e una riscoperta della civiltà occidentale.